Mi relación con el otro lado del atlántico se inicia en la infancia, por un hecho casual, cuando era muy pequeñita, no pasaría de los cuatro o cinco años. La gente que me rodeaba estaba vestida de negro (las personas adultas) o de blanco (los niños). De negro se casaban, con flores de blanco azahar en los ojales como único adorno. Mantones negros para protegerse de la lluvia, para el día a día. Mantillas bordadas y caladas de color negro para la misa de domingo. Principios de los años sesenta, a los pueblos de la castilla interior sólo habían llegado, como mucho, los collares de cuentas de cristal y mi único recuerdo diferente, procedía de una tía, muy jóven, adolescente, que se había puesto para la boda de su hermana un vestido de gasa beis, adornado con flores de colores rosas y verdeagua. Perseguí sin descanso los collares hasta hacerme con uno, el rosa. Pero a lo que vamos, tengo varios recuerdos de infancia, que se relacionan con América.
El primero, deriva de que mis abuelos tenían familia en Argentina, en Buenos Aires. De Buenos Aires, llegó un enorme paquete cargado de regalos: mantones plateados, juguetes, ropa de colores, chaquetas bordadas, mantones de rojo y negro de seda, etc. Yo no lo podía creer, ¡dios mío¡, ¡que ricos serían que podían enviar todas esas cosas desde América¡. Todavía recuerdo el placer de tocar las cosas, de ver tanta maravilla en mis manos. Luché sin demasiado éxito por obtener alguna cosa y cuando conseguí algo, más tarde en la adolescencia, me fue arrebatado de nuevo (creo que no lo he perdonado).
El segundo, es anterior, un año antes, hace poco ate cabos y confirmé la fecha, me parecía demasiado pequeña para tener algún recuerdo. Cercana a mi madre vivía una mujer que me cuidó en la infancia con esmero y cariño, llegó un familiar suyo de Cuba, todo vestido de blanco de arriba abajo, hasta con sombrero. Era algo inaudito para mi medio de vida y todavía lo recuerdo , hace poco comprobé casualmente que era cierto, y que vivió hasta hace poco.
El tercero, se relaciona con la literatura, como toda mi vida, que siempre esta relacionada con la literatura y no con la fantasía. A mi pueblo, por esas fechas llegaban los maestros y al poco tiempo como no contaban con niños ni con medios se marchaban. Yo con seis o siete años ya sabía leer, no recuedo como aprendí a leer,
sólo recuerdo a mi padre leyéndome el libro de "Corazón" y "De los apeninos a los Andes" -me acaba de dar cuenta de que también se relaciona con el continente-. Bueno, pues en esa tierna edad me dediqué a leer los libros del colegio, almacenados no se por quién ni porqué, tal vez por esos maestros represaliados que eran enviados a Soria como castigo. Bueno cayó en mis manos varios libros sobre los desastres de los terremotos y sunamis habidos en el Perú, desde entonces no es que tenga miedo,
es que tengo pánico a todo lo que huela a volcanes y terremotos.
Y por último, como todos los adolescentes de mi edad nos dedicamos a leer toda la literatura sudamericana: como posesos, de manera obsesiva. Creíamos que esa literatura nos acercaba a la realidad de la América Látina, enfín mi conclusión es que no, que está bastante alejada de la realidad, de su día a día, por lo menos la que ha caido en mis manos.
.... Bueno lo siento ... esto no va de méxico ... lo dejamos para otro día ...
miércoles, 11 de marzo de 2009
lunes, 16 de febrero de 2009
EXPOSICIONES:M.BARCELÓ,A.CÁSEDAS, G.SANCHEZ Y A. DÍAZ-PALACIOS
MIQUEL BARCELÓ - MADRID
En Febrero la Obra Social "La Caixa" presenta en CaixaForum Madrid la exposición El mar de Barceló. En la Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones de la ONU en Ginebra, una muestra que recoge cómo se creó la cúpula de la ONU, con fotografías y audiovisuales de Agustí Torres, una maqueta de la cúpula y obras preparatorias, así como el lienzo Marejadilla de 2002 y Cuaderno de Ginebra 2008, dietario del artista con acuarelas, textos y dibujos.
ANTONIO CÁSEDAS - ZARAGOZA
GALERIA DE ARTE PILAR GINES .... hasta el 15 de marzo de 2009
GERVASIO SÁNCHEZ - ZARAGOZA
CENTRO DE LA HISTORIA .... hasta el 29 de marzo de 2009
ALVARO DÍAZ-PALACIOS - TERUEL
MUSEO DE TERUEL ... Ocasión única para ver el primer premio de Muestra de Arte Joven
En Febrero la Obra Social "La Caixa" presenta en CaixaForum Madrid la exposición El mar de Barceló. En la Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones de la ONU en Ginebra, una muestra que recoge cómo se creó la cúpula de la ONU, con fotografías y audiovisuales de Agustí Torres, una maqueta de la cúpula y obras preparatorias, así como el lienzo Marejadilla de 2002 y Cuaderno de Ginebra 2008, dietario del artista con acuarelas, textos y dibujos.
ANTONIO CÁSEDAS - ZARAGOZA
GALERIA DE ARTE PILAR GINES .... hasta el 15 de marzo de 2009
GERVASIO SÁNCHEZ - ZARAGOZA
CENTRO DE LA HISTORIA .... hasta el 29 de marzo de 2009
ALVARO DÍAZ-PALACIOS - TERUEL
MUSEO DE TERUEL ... Ocasión única para ver el primer premio de Muestra de Arte Joven
domingo, 15 de febrero de 2009
PASEANDO POR EL MUNDO : CHIAPAS, JAIME SABINES
Un completo desconocido ... pero Jaime Sabines, que me ha sorprendido mucho es
Poeta y ensayista mexicano nacido CHIAPAS EN 1926, en Ciudad de México desde 1949 cuando inició sus estudios de Filosofía y Letras, fue allí en la universidad donde publicó «Horal» a la edad de veintitrés años.
En 1965 tras su visita a Cuba para servir como jurado del Premio Casa de las Américas, sufrió un gran desencanto con las tendencias izquierdistas, sentimiento que dejó plasmado en su libro «Yuria» publicado en 1967.
Su obra tiene un marcado acento informal. Su prosa vehemente y sensual, nos hacen viajar por un mundo de realidades vividas.
En 1985, recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes.
Poeta y ensayista mexicano nacido CHIAPAS EN 1926, en Ciudad de México desde 1949 cuando inició sus estudios de Filosofía y Letras, fue allí en la universidad donde publicó «Horal» a la edad de veintitrés años.
En 1965 tras su visita a Cuba para servir como jurado del Premio Casa de las Américas, sufrió un gran desencanto con las tendencias izquierdistas, sentimiento que dejó plasmado en su libro «Yuria» publicado en 1967.
Su obra tiene un marcado acento informal. Su prosa vehemente y sensual, nos hacen viajar por un mundo de realidades vividas.
En 1985, recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes.
viernes, 13 de febrero de 2009
FRANCIS BACON
Francis Bacon
Patetismo y grandeza
El 3 de febrero el Museo del Prado presenta la primera gran retrospectiva de Francis Bacon en nuestro país. Una muestra que, además, conmemora el centenario del nacimiento del artista y homenajea al asiduo visitante del Museo que fue Bacon en sus últimos años de vida. Casi un centenar de obras de caras retorcidas y cuerpos mutilados, de figuras desmoronadas y al límite de la desaparición pintadas obsesivamente por el artista constituyen ya una cita ineludible de la temporada.
Tres claves testifican el poder vindicativo y la vigencia estremecedora de la pintura de Francis Bacon (Dublín, 1909-Madrid, 1992) y dan impronta inolvidable a esta antológica que le dedican y exponen sucesivamente la Tate Britain londinense, el Museo del Prado y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, al cumplirse el centenario de su nacimiento. Esas claves, que se corresponden entre sí para configurar un código estético tan consolidado como abierto, están constituidas por la grandeza del arte de la representación figurativa, por la afirmación existencial del sentimiento de lo trágico, y por el hecho de que los temas relacionados con los aspectos físicos del cuerpo humano y su proyección en los dominios de lo sexual, lo psicológico y lo social constituyen una de las preocupaciones primordiales de los artistas contemporáneos.
La grandeza de la obra de Francis Bacon arranca de la dignidad majestuosa que caracteriza su concepción de la pintura como arte de representar, y, al mismo tiempo, de la asunción auténtica y creativa que él hace de las fuentes de “su” tradición; principalmente, de Velázquez y de Rembrandt, de Soutine y de Van Gogh, a quienes reafirma como base de sus obras, al tiempo que los transforma y los traslada a términos de su visión interior y de sus tormentos íntimos. Ese sentimiento de la grandeza resulta infalible inclusive en el arrojo de sus obras más tempranas, como la fantasmal y pequeña Crucifixión (1933) y el enorme experimento corporal desarrollado en las formas, espacios y estructuras del tríptico Tres estudios de figura en la base de una Crucifixión (1944), con las que se abre esta exposición en El Prado. Toda esta muestra de figuraciones desfiguradoras insiste en advertir que Bacon nunca trató de ilustrar sino de representar. Dicho con sus propias palabras: “para mí la figuración es un intento de capturar la apariencia con el cúmulo de sensaciones que lo apariencial despierta en mí. En cuanto a mi último tríptico y unos cuantos lienzos más que he pintado después de releer a Esquilo, he tratado de crear imágenes de las sensaciones que algunos de los episodios creaban en mi interior. Yo no podía pintar a Agamenón, a Clitemnestra ni a Casandra, porque eso no habría sido más que pintura de historia. En consecuencia traté de crear una imagen del efecto que producía en mi interior. Posiblemente la figuración sea siempre subjetiva cuando se expresa con más penetrante hondura”.
Ese recurso interiorizado que se establece con el registro épico de Esquilo -y que vemos aquí en Tríptico inspirado en la Orestíada (1981)-, declara otra clave: el sentimiento de tragedia, que da carácter al espacio desolado y a las estructuras y huecos temibles representados en estos cuadros, cuyo patetismo invade el espacio envolvente y crea un clima en la atmósfera expositiva. El sentimiento trágico de Francis Bacon -lleno de tensión, conflicto y contradicción- no se interesa en concepciones especulativas ni antiespeculativas, sino que se define dentro de lo vital, de lo existencial. En sus comentarios a esta muestra Manuela Mena remite a la “shakespeareana” poética sangrienta de Macbeth. La suntuosidad delicuescente de las manchas espesas de la sangre tiñe espacios, enseres y figuras de muchos de estos cuadros, entre expresiones de violencia. Sin embargo, se impone aquí como dominante la sensación de plenitud de la vida, por temible que ésta sea, a través del debate desaforado entre fuerzas de lo orgiástico o dionisíaco, y la elegancia no convencional de lo apolíneo. A fin de cuentas la vida no reside sino en el conflicto trágico. En esto, el conjunto de la pintura de Bacon parece coincidir con el pensamiento de Nietzsche, que frente a la noción antigua de tragedia, la hace desembocar en la destrucción de las formas y en la aceptación de lo diferente, de lo raro. Así lo vemos en la variación de Bacon sobre el desaparecido cuadro de Van Gogh El artista en la camino de Tarascón, o en muchos de sus retratos, tan desfigurados y rehechos como el Autorretrato con reloj (1973). Se trata de una tragedia reafirmada desde lo personal y ambientada en la historia que a cada cual le corresponde. Bacon escribió su propósito de pintar la historia de la que fue testigo: “cualquiera que haya vivido las guerras europeas se ha visto afectado por ellas; afectaban a todo tu psiquismo en la medida de vivir continuamente una atmósfera de tensión y de amenaza”.
Contar una historia implica representar también la de la propia corporeidad e intimidad. El análisis del cuerpo físico y los referentes temáticos homosexuales constituyen la tercera clave predominante en el conjunto de esta exposición, sustancialmente autobiográfica y en la que el retrato y el autorretrato se solapan. Bacon parte de la convicción de que “sin Dios, el ser humano está sujeto a las mismas pulsiones naturales de violencia, lascivia y miedo que cualquier otro animal”. Por tanto, el principio de sus retratos y figuraciones es el de una “representación bestial”, a la que somete a amantes, a amigos y a sí mismo. Sobre todo, a sí mismo, pues él admiraba su cuerpo -el modelado de sus brazos, la firmeza de sus piernas, la energía de su figura y sus movimientos...- y lo fundía con los cuerpos de las figuras de “los otros”. Gran parte de esta pintura constituye una especie de autorretrato continuado, solapado, efectuado sobre la seducción que le producía lo corporal y el profundo sentimiento de culpa sexual del que nunca se pudo ni se quiso desprender.
Así lo comprobamos en las secciones sucesivas de la muestra, tituladas “Animal” -con sus iniciales desnudos y cuerpos con cortinas-, “Zona” -obras de los años 50, tan explícitas como Dos figuras en la hierba-, “Aprensión” -sobre la brutalidad de la vida cotidiana con su compañero Peter Lacy-, “Crucifixión” -tema preferente pero sólo como ritual-, “Crisis” -hacer un alto e interesarse por lo que aportan la paleta vibrante, el proceso y el azar a la obra-, “Archivo” -dibujos, fotografías, imágenes cinematográficas, papeles del taller-, “Retrato” -su revisión como género específico-, “Memorial” -obras sobre el suicidio de su amante George Dyer, y sobre la muerte de su madre-, “épico” -influjos literarios, desde los mitos antiguos a Eliot y García Lorca- y “Tardío” -entre lo externo narrativo y la fisicalidad del cuerpo-. Todo Francis Bacon, proclamando con los clásicos la monstruosidad del hombre sobre la tierra, y la melancolía de la muerte.
José MARIN MEDINA
Patetismo y grandeza
El 3 de febrero el Museo del Prado presenta la primera gran retrospectiva de Francis Bacon en nuestro país. Una muestra que, además, conmemora el centenario del nacimiento del artista y homenajea al asiduo visitante del Museo que fue Bacon en sus últimos años de vida. Casi un centenar de obras de caras retorcidas y cuerpos mutilados, de figuras desmoronadas y al límite de la desaparición pintadas obsesivamente por el artista constituyen ya una cita ineludible de la temporada.
Tres claves testifican el poder vindicativo y la vigencia estremecedora de la pintura de Francis Bacon (Dublín, 1909-Madrid, 1992) y dan impronta inolvidable a esta antológica que le dedican y exponen sucesivamente la Tate Britain londinense, el Museo del Prado y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, al cumplirse el centenario de su nacimiento. Esas claves, que se corresponden entre sí para configurar un código estético tan consolidado como abierto, están constituidas por la grandeza del arte de la representación figurativa, por la afirmación existencial del sentimiento de lo trágico, y por el hecho de que los temas relacionados con los aspectos físicos del cuerpo humano y su proyección en los dominios de lo sexual, lo psicológico y lo social constituyen una de las preocupaciones primordiales de los artistas contemporáneos.
La grandeza de la obra de Francis Bacon arranca de la dignidad majestuosa que caracteriza su concepción de la pintura como arte de representar, y, al mismo tiempo, de la asunción auténtica y creativa que él hace de las fuentes de “su” tradición; principalmente, de Velázquez y de Rembrandt, de Soutine y de Van Gogh, a quienes reafirma como base de sus obras, al tiempo que los transforma y los traslada a términos de su visión interior y de sus tormentos íntimos. Ese sentimiento de la grandeza resulta infalible inclusive en el arrojo de sus obras más tempranas, como la fantasmal y pequeña Crucifixión (1933) y el enorme experimento corporal desarrollado en las formas, espacios y estructuras del tríptico Tres estudios de figura en la base de una Crucifixión (1944), con las que se abre esta exposición en El Prado. Toda esta muestra de figuraciones desfiguradoras insiste en advertir que Bacon nunca trató de ilustrar sino de representar. Dicho con sus propias palabras: “para mí la figuración es un intento de capturar la apariencia con el cúmulo de sensaciones que lo apariencial despierta en mí. En cuanto a mi último tríptico y unos cuantos lienzos más que he pintado después de releer a Esquilo, he tratado de crear imágenes de las sensaciones que algunos de los episodios creaban en mi interior. Yo no podía pintar a Agamenón, a Clitemnestra ni a Casandra, porque eso no habría sido más que pintura de historia. En consecuencia traté de crear una imagen del efecto que producía en mi interior. Posiblemente la figuración sea siempre subjetiva cuando se expresa con más penetrante hondura”.
Ese recurso interiorizado que se establece con el registro épico de Esquilo -y que vemos aquí en Tríptico inspirado en la Orestíada (1981)-, declara otra clave: el sentimiento de tragedia, que da carácter al espacio desolado y a las estructuras y huecos temibles representados en estos cuadros, cuyo patetismo invade el espacio envolvente y crea un clima en la atmósfera expositiva. El sentimiento trágico de Francis Bacon -lleno de tensión, conflicto y contradicción- no se interesa en concepciones especulativas ni antiespeculativas, sino que se define dentro de lo vital, de lo existencial. En sus comentarios a esta muestra Manuela Mena remite a la “shakespeareana” poética sangrienta de Macbeth. La suntuosidad delicuescente de las manchas espesas de la sangre tiñe espacios, enseres y figuras de muchos de estos cuadros, entre expresiones de violencia. Sin embargo, se impone aquí como dominante la sensación de plenitud de la vida, por temible que ésta sea, a través del debate desaforado entre fuerzas de lo orgiástico o dionisíaco, y la elegancia no convencional de lo apolíneo. A fin de cuentas la vida no reside sino en el conflicto trágico. En esto, el conjunto de la pintura de Bacon parece coincidir con el pensamiento de Nietzsche, que frente a la noción antigua de tragedia, la hace desembocar en la destrucción de las formas y en la aceptación de lo diferente, de lo raro. Así lo vemos en la variación de Bacon sobre el desaparecido cuadro de Van Gogh El artista en la camino de Tarascón, o en muchos de sus retratos, tan desfigurados y rehechos como el Autorretrato con reloj (1973). Se trata de una tragedia reafirmada desde lo personal y ambientada en la historia que a cada cual le corresponde. Bacon escribió su propósito de pintar la historia de la que fue testigo: “cualquiera que haya vivido las guerras europeas se ha visto afectado por ellas; afectaban a todo tu psiquismo en la medida de vivir continuamente una atmósfera de tensión y de amenaza”.
Contar una historia implica representar también la de la propia corporeidad e intimidad. El análisis del cuerpo físico y los referentes temáticos homosexuales constituyen la tercera clave predominante en el conjunto de esta exposición, sustancialmente autobiográfica y en la que el retrato y el autorretrato se solapan. Bacon parte de la convicción de que “sin Dios, el ser humano está sujeto a las mismas pulsiones naturales de violencia, lascivia y miedo que cualquier otro animal”. Por tanto, el principio de sus retratos y figuraciones es el de una “representación bestial”, a la que somete a amantes, a amigos y a sí mismo. Sobre todo, a sí mismo, pues él admiraba su cuerpo -el modelado de sus brazos, la firmeza de sus piernas, la energía de su figura y sus movimientos...- y lo fundía con los cuerpos de las figuras de “los otros”. Gran parte de esta pintura constituye una especie de autorretrato continuado, solapado, efectuado sobre la seducción que le producía lo corporal y el profundo sentimiento de culpa sexual del que nunca se pudo ni se quiso desprender.
Así lo comprobamos en las secciones sucesivas de la muestra, tituladas “Animal” -con sus iniciales desnudos y cuerpos con cortinas-, “Zona” -obras de los años 50, tan explícitas como Dos figuras en la hierba-, “Aprensión” -sobre la brutalidad de la vida cotidiana con su compañero Peter Lacy-, “Crucifixión” -tema preferente pero sólo como ritual-, “Crisis” -hacer un alto e interesarse por lo que aportan la paleta vibrante, el proceso y el azar a la obra-, “Archivo” -dibujos, fotografías, imágenes cinematográficas, papeles del taller-, “Retrato” -su revisión como género específico-, “Memorial” -obras sobre el suicidio de su amante George Dyer, y sobre la muerte de su madre-, “épico” -influjos literarios, desde los mitos antiguos a Eliot y García Lorca- y “Tardío” -entre lo externo narrativo y la fisicalidad del cuerpo-. Todo Francis Bacon, proclamando con los clásicos la monstruosidad del hombre sobre la tierra, y la melancolía de la muerte.
José MARIN MEDINA
lunes, 9 de febrero de 2009
CORTAZAR : HACE + DE 25 AÑOS QUE A. BUSCA A LA MAGA
Nos acercaremos a Paris, desde hace 28 años estamos esperando volver
¿acaso la buscamos?
LA JORNADA : MEXICO
■ Ignacio Solares, José Agustín, Gonzalo Celorio y Leo Mendoza celebran la efeméride
Cortázar es la mejor puerta para los jóvenes, a 25 años de partir
■ Fue el escritor de la ternura, muchas mujeres lo quisieron y él fue feliz al lado de su esposa, dice Elena Poniatowska
■ El interés por el autor de El perseguidor es absoluto en la UNAM
Ana Mónica Rodríguez y Fabiola Palapa Quijas
A 25 años de la muerte de Julio Cortázar, cuya efeméride se cumple este 12 de febrero, autores mexicanos vierten para La Jornada diversas reflexiones sobre la prolífica obra y trayectoria del escritor argentino.
También del autor de Rayuela se publicarán, a lo largo de este 2009, textos inéditos agrupados en el libro Papeles inesperados y se reditarán los libros Último round y La vuelta al día en 80 mundos a 40 años de haberse publicado.
Para José Agustín, la imagen y obra de Cortázar se encuentra entre dos vertientes: los cortazarianos y aquellos otros que no confluían con el estilo literario del autor de Bestiario.
“Julio Cortázar se encuentra presente de una forma positiva y también negativa ante las nuevas generaciones de escritores; pero lo importante es que el personaje simplemente no es ignorado.”
Por otra parte, “mi generación y una anterior siempre fuimos muy cortazarianos y seguidores de este cuentista extraordinario y gran constructor de novelas, quien no siempre acertó pero construyó piezas de altura mundial.”
“Lo leímos en su momento, lo asimilamos en su tiempo y sobre todo comprendimos sus sueños, trucos, recursos literarios y todo ese juego experimental que lo caracterizó en Rayuela.”
Enamorarse de la Maga
La figura del gran Cronopio, prosiguió José Agustín, “debe ser motivo de atención a 25 años de su fallecimiento y esta efeméride debería servir para reflexionar, analizar y conocer a fondo su obra, porque en general priva lo subjetivo” sobre lo concerniente a la trayectoria del autor argentino.
Finalmente, José Agustín dijo que la influencia de Cortázar estimuló su “noción de experimentar con las estructuras fundamentales de jugar con las palabras, así como de comprender la densidad estilística y de profundidad filosófica” que poseía el autor.
Por su parte, Elena Poniatowska expresó: “Es la presencia de un escritor completamente original, muy creativo y con cuentos maravillosos. Y creo que su novela Rayuela es el punto de partida en la literatura del mundo; además Cortázar fue un escritor de la ternura y una muy buena persona. También le llegaban infinidad de cartas de sus admiradoras y tengo el privilegio de tener algunas misivas.
“Lo quise mucho, bueno muchísimas otras mujeres lo quisieron también y recuerdo que en una ocasión cuando lo visité en París era un hombre muy feliz al lado de su esposa Carol Dunlop.”
Gonzalo Celorio: “Se cumplen los 25 años del fallecimiento de Julio Cortázar y creo que fue un escritor muy importante no sólo para la literatura sino para la historia de la literatura; es un escritor que con Rayuela modificó de manera sustancial la manera de escribir, en el sentido de que hizo partícipe y casi a nivel de coautor al lector de su obra. Esta posibilidad de participar en el proceso creativo de incidir incluso en la estructura narrativa de la obra por parte del lector es una gran contribución a la lectura porque de alguna forma genera una complicidad.
“Me parece que Cortázar además pudo tocar los temas o tener dos tonos o timbres que no existían en la historia de la narrativa latinoamericana: uno es el sentido del humor. Él dice en alguna página memorable de Rayuela que ‘el sentido del humor ha cavado más túneles en la tierra que todas las lágrimas que se han derramado sobre ella’. Nuestros libros eran muy serios, no sabían reír y lo que tenemos en los cuentos de Cortázar es un gran sentido lúdico y del humor.
“Otra temática que no había sido abordada es la ternura: cuando uno lee la carta que aparece en algún capítulo de Rayuela, escrita por la Maga a su hijo ya muerto, no podemos menos que sentir ternura.
“La obra de Cortázar es fundamentalmente la de textos breves; creo que incluso Rayuela a pesar de su gran construcción estructural novelística es un conjunto de textos breves y algunos de ellos se nos quedan adheridos a la memoria como si se trataran de un poema porque tienen el resplandor de un poema.”
Evodio Escalante: “Comparto con Cortázar su pasión por el jazz. Fue un autor que nos marcó a toda una generación en la década de los 60, sobre todo con Rayuela. Todos nos enamoramos alguna vez de una Maga que es el personaje femenino de la obra, y cómo no admirar otros textos del autor.
“El que me sigue fascinando es el Cortázar de la literatura fantástica que mezcla planos de la realidad y que muestra cosas imposibles que se vuelven posibles gracias al relato. Su gran texto sobre Charlie Parker, El perseguidor, es todavía punto de referencia para el mundo del jazz y una reflexión sobre qué es la crítica en el mundo del arte.
“Rayuela fue el libro que lo catapultó a la fama, luego leí algunos de sus relatos, entre ellos El perseguidor. Me parece que en la historia de la lectura se forman como constelaciones y Cortázar pertenece a la de Jorge Luis Borges.
El misterio de un gran autor
Ignacio Solares: “Para los jóvenes Julio Cortázar es la mejor puerta para entrar a la literatura. He impartido en la Facultad de Filosofía y Letras una clase sobre el escritor argentino –soy profesor de tiempo completo– y empecé con 30 estudiantes, en el siguiente semestre ya eran 60, después 100 y hasta 130, ya no podía dar la clase porque eso ya era una conferencia.
“El interés por Cortázar en la Universidad Nacional Autónoma de México es absoluto. Es un interés muy vivo. Es la mejor puerta de acceso a la literatura, yo lo he probado con mis hijos. Cortázar tiene esta gran virtud de ser un autor fantástico pero a partir de lo real, de una situación en la que te sientes involucrado con el ambiente, con la calle, con los autobuses, con los diálogos de los personajes.
“Cortázar tiene la virtud de que te hace viva la literatura fantástica. No necesita rayos y truenos en noches en que se agitan ventanas. No necesita de monstruos: todo el misterio de Cortázar apunta aquí y ahora.
“Es un autor para jóvenes que empiezan a interesarse por la literatura, sobre todo por lo que te hace sentir y eso es más que literatura, es una experiencia vivida; es una experiencia existencial, sicológica, espiritual.
“Otro aspecto de su obra es que nos abrió las puertas como traductor porque hizo la de toda la obra completa con notas de Edgar Allan Poe, de Robinson Crusoe, Las memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar; entonces la puerta que nos abrió es impresionante.”
Brutal fuerza juvenil
Leo Eduardo Mendoza, cuentista y periodista: “La obra de Cortázar es la obra de casi todo el mundo porque surge en el boom latinoamericano y fue muy deslumbrante. Curiosamente fue una época que no se ha vuelto a tener porque toda la producción editorial se podía conseguir fácilmente y ahora eso no es posible porque pasa por la visión del mercado español, no la visión latinoamericana.
“Los cuentos de Cortázar son verdaderamente sorprendentes y geniales. Recuerdo que los primeros cuentos que leía fueron Todos los fuegos el fuego, en una edición en rojo de Sudamericana que todavía conservo.
“Sus cuentos son de exactitud narrativa y sorprendente la pulcritud de su trabajo literario en la amplitud de temas y de formas. Es un renovador de la tradición novelística y Rayuela es un punto de partida de la novela latinoamericana.
“Es un autor que tiene una brutal fuerza juvenil. Tiene gran capacidad de enganchar a los jóvenes, porque su literatura expresa una serie de problemas humanos. Sus obras tienen temas que interesan a los jóvenes de ahora e interesaban a los de los años 70; son temas de siempre tratados de forma novedosa en los cuentos.”
En el contexto de la conmemoración del escritor, quien murió en París en 1984, de leucemia, también se publicará una edición conmemorativa y una facsimilar de dos de sus obras, las cuales cumplen cuatro décadas de haberse editado: Último round y La vuelta al día en 80 mundos.
¿acaso la buscamos?
LA JORNADA : MEXICO
■ Ignacio Solares, José Agustín, Gonzalo Celorio y Leo Mendoza celebran la efeméride
Cortázar es la mejor puerta para los jóvenes, a 25 años de partir
■ Fue el escritor de la ternura, muchas mujeres lo quisieron y él fue feliz al lado de su esposa, dice Elena Poniatowska
■ El interés por el autor de El perseguidor es absoluto en la UNAM
Ana Mónica Rodríguez y Fabiola Palapa Quijas
A 25 años de la muerte de Julio Cortázar, cuya efeméride se cumple este 12 de febrero, autores mexicanos vierten para La Jornada diversas reflexiones sobre la prolífica obra y trayectoria del escritor argentino.
También del autor de Rayuela se publicarán, a lo largo de este 2009, textos inéditos agrupados en el libro Papeles inesperados y se reditarán los libros Último round y La vuelta al día en 80 mundos a 40 años de haberse publicado.
Para José Agustín, la imagen y obra de Cortázar se encuentra entre dos vertientes: los cortazarianos y aquellos otros que no confluían con el estilo literario del autor de Bestiario.
“Julio Cortázar se encuentra presente de una forma positiva y también negativa ante las nuevas generaciones de escritores; pero lo importante es que el personaje simplemente no es ignorado.”
Por otra parte, “mi generación y una anterior siempre fuimos muy cortazarianos y seguidores de este cuentista extraordinario y gran constructor de novelas, quien no siempre acertó pero construyó piezas de altura mundial.”
“Lo leímos en su momento, lo asimilamos en su tiempo y sobre todo comprendimos sus sueños, trucos, recursos literarios y todo ese juego experimental que lo caracterizó en Rayuela.”
Enamorarse de la Maga
La figura del gran Cronopio, prosiguió José Agustín, “debe ser motivo de atención a 25 años de su fallecimiento y esta efeméride debería servir para reflexionar, analizar y conocer a fondo su obra, porque en general priva lo subjetivo” sobre lo concerniente a la trayectoria del autor argentino.
Finalmente, José Agustín dijo que la influencia de Cortázar estimuló su “noción de experimentar con las estructuras fundamentales de jugar con las palabras, así como de comprender la densidad estilística y de profundidad filosófica” que poseía el autor.
Por su parte, Elena Poniatowska expresó: “Es la presencia de un escritor completamente original, muy creativo y con cuentos maravillosos. Y creo que su novela Rayuela es el punto de partida en la literatura del mundo; además Cortázar fue un escritor de la ternura y una muy buena persona. También le llegaban infinidad de cartas de sus admiradoras y tengo el privilegio de tener algunas misivas.
“Lo quise mucho, bueno muchísimas otras mujeres lo quisieron también y recuerdo que en una ocasión cuando lo visité en París era un hombre muy feliz al lado de su esposa Carol Dunlop.”
Gonzalo Celorio: “Se cumplen los 25 años del fallecimiento de Julio Cortázar y creo que fue un escritor muy importante no sólo para la literatura sino para la historia de la literatura; es un escritor que con Rayuela modificó de manera sustancial la manera de escribir, en el sentido de que hizo partícipe y casi a nivel de coautor al lector de su obra. Esta posibilidad de participar en el proceso creativo de incidir incluso en la estructura narrativa de la obra por parte del lector es una gran contribución a la lectura porque de alguna forma genera una complicidad.
“Me parece que Cortázar además pudo tocar los temas o tener dos tonos o timbres que no existían en la historia de la narrativa latinoamericana: uno es el sentido del humor. Él dice en alguna página memorable de Rayuela que ‘el sentido del humor ha cavado más túneles en la tierra que todas las lágrimas que se han derramado sobre ella’. Nuestros libros eran muy serios, no sabían reír y lo que tenemos en los cuentos de Cortázar es un gran sentido lúdico y del humor.
“Otra temática que no había sido abordada es la ternura: cuando uno lee la carta que aparece en algún capítulo de Rayuela, escrita por la Maga a su hijo ya muerto, no podemos menos que sentir ternura.
“La obra de Cortázar es fundamentalmente la de textos breves; creo que incluso Rayuela a pesar de su gran construcción estructural novelística es un conjunto de textos breves y algunos de ellos se nos quedan adheridos a la memoria como si se trataran de un poema porque tienen el resplandor de un poema.”
Evodio Escalante: “Comparto con Cortázar su pasión por el jazz. Fue un autor que nos marcó a toda una generación en la década de los 60, sobre todo con Rayuela. Todos nos enamoramos alguna vez de una Maga que es el personaje femenino de la obra, y cómo no admirar otros textos del autor.
“El que me sigue fascinando es el Cortázar de la literatura fantástica que mezcla planos de la realidad y que muestra cosas imposibles que se vuelven posibles gracias al relato. Su gran texto sobre Charlie Parker, El perseguidor, es todavía punto de referencia para el mundo del jazz y una reflexión sobre qué es la crítica en el mundo del arte.
“Rayuela fue el libro que lo catapultó a la fama, luego leí algunos de sus relatos, entre ellos El perseguidor. Me parece que en la historia de la lectura se forman como constelaciones y Cortázar pertenece a la de Jorge Luis Borges.
El misterio de un gran autor
Ignacio Solares: “Para los jóvenes Julio Cortázar es la mejor puerta para entrar a la literatura. He impartido en la Facultad de Filosofía y Letras una clase sobre el escritor argentino –soy profesor de tiempo completo– y empecé con 30 estudiantes, en el siguiente semestre ya eran 60, después 100 y hasta 130, ya no podía dar la clase porque eso ya era una conferencia.
“El interés por Cortázar en la Universidad Nacional Autónoma de México es absoluto. Es un interés muy vivo. Es la mejor puerta de acceso a la literatura, yo lo he probado con mis hijos. Cortázar tiene esta gran virtud de ser un autor fantástico pero a partir de lo real, de una situación en la que te sientes involucrado con el ambiente, con la calle, con los autobuses, con los diálogos de los personajes.
“Cortázar tiene la virtud de que te hace viva la literatura fantástica. No necesita rayos y truenos en noches en que se agitan ventanas. No necesita de monstruos: todo el misterio de Cortázar apunta aquí y ahora.
“Es un autor para jóvenes que empiezan a interesarse por la literatura, sobre todo por lo que te hace sentir y eso es más que literatura, es una experiencia vivida; es una experiencia existencial, sicológica, espiritual.
“Otro aspecto de su obra es que nos abrió las puertas como traductor porque hizo la de toda la obra completa con notas de Edgar Allan Poe, de Robinson Crusoe, Las memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar; entonces la puerta que nos abrió es impresionante.”
Brutal fuerza juvenil
Leo Eduardo Mendoza, cuentista y periodista: “La obra de Cortázar es la obra de casi todo el mundo porque surge en el boom latinoamericano y fue muy deslumbrante. Curiosamente fue una época que no se ha vuelto a tener porque toda la producción editorial se podía conseguir fácilmente y ahora eso no es posible porque pasa por la visión del mercado español, no la visión latinoamericana.
“Los cuentos de Cortázar son verdaderamente sorprendentes y geniales. Recuerdo que los primeros cuentos que leía fueron Todos los fuegos el fuego, en una edición en rojo de Sudamericana que todavía conservo.
“Sus cuentos son de exactitud narrativa y sorprendente la pulcritud de su trabajo literario en la amplitud de temas y de formas. Es un renovador de la tradición novelística y Rayuela es un punto de partida de la novela latinoamericana.
“Es un autor que tiene una brutal fuerza juvenil. Tiene gran capacidad de enganchar a los jóvenes, porque su literatura expresa una serie de problemas humanos. Sus obras tienen temas que interesan a los jóvenes de ahora e interesaban a los de los años 70; son temas de siempre tratados de forma novedosa en los cuentos.”
En el contexto de la conmemoración del escritor, quien murió en París en 1984, de leucemia, también se publicará una edición conmemorativa y una facsimilar de dos de sus obras, las cuales cumplen cuatro décadas de haberse editado: Último round y La vuelta al día en 80 mundos.
domingo, 8 de febrero de 2009
LIBROS : Los hombres que no amaban a las mujeres
Lo siento, no puedo resistir, Stieg Larsson me ha atrapado desde el
primer momento, amena, divertida, no es literatura con mayúsculas,
pero hay días para obras menores, rica en matices, opiniones,
para relajar el cuerpo y el alma ...
y muy femenina ... que lo paséis bien ... hay tan pocas ocasiones¡¡¡
martes, 3 de febrero de 2009
PELICULAS : REVOLUTIONARY ROAD
Muy interesante,
al mismo tiempo que
dolorosa ...
April refleja
esa alma insatisfecha que hay en cada uno de nosotros,
que busca algo más...
Lo mejor :
el momento del baile,
memorable.
domingo, 1 de febrero de 2009
VIAJE : OROLON (FRANCE)
martes, 20 de enero de 2009
JAMES BALDWIN : LITERATURA PARA EL RECUERDO
Es un día para el recuerdo, todos deseamos que el mundo mejore, que sea un buen día,
día de la esperanza,
que este 20 de enero de 2009, día en el que un negro, Obama, llegó a la presidencia de los estados unidos sea recordado.
Los personajes de Morrison, Baldwin, Faulkner estarán agitándose en sus tumbas;
Sé que mi querida Billie Holiday estará entonando una canción al lado de Lester Young, siseando.., amorosa..,
Y es un buen momento para releer a James Baldwin, para recordar como inciaron el proceso que le ha llevado a Obama a la presidencia.
James Baldwin decía :
"Cuando nos decían que debíamos amar a todo el mundo yo entendía que se referían a todo el mundo. Pero no. Se incluía únicamente a aquellos que tenían nuestra misma fe, y no se incluía en absoluto a los blancos"
día de la esperanza,
que este 20 de enero de 2009, día en el que un negro, Obama, llegó a la presidencia de los estados unidos sea recordado.
Los personajes de Morrison, Baldwin, Faulkner estarán agitándose en sus tumbas;
Sé que mi querida Billie Holiday estará entonando una canción al lado de Lester Young, siseando.., amorosa..,
Y es un buen momento para releer a James Baldwin, para recordar como inciaron el proceso que le ha llevado a Obama a la presidencia.
James Baldwin decía :
"Cuando nos decían que debíamos amar a todo el mundo yo entendía que se referían a todo el mundo. Pero no. Se incluía únicamente a aquellos que tenían nuestra misma fe, y no se incluía en absoluto a los blancos"
domingo, 18 de enero de 2009
CITA LITERARIA EN ZARAGOZA : POESIA
Mañana, día 21 de enero de 2009, tenemos una cita en ZARAGOZA, en CAJALON(coso,29),
a las 7 de la tarde
se presentan los Premios de la Delegación del Gobierno de Aragón de poesía,
Fernando Sarría Abadía será laureado nuevamente.
jueves, 15 de enero de 2009
IL DIVO : PAOLO SORRENTINO : reflejos del mundo actual
Ayer Andreotti cumplía 90 años, ahí sigue, inmutable, yo celebré mi cumple con el visionado de la magnífica película de Paolo Sorrentino ( lo mejor : los planos secuenciales, la música, y los contrastes intimidad-hechos ). Estoy un poco perpleja, no me parece tan satírica-crítica como se comentaba, es la imagen que durante veinte años hemos recibido de Italia, y en el fondo esperaba una película más explícita, menos amable, pero como citan de G.Andreotti : " No es fácil explicar nuestro país a los extranjeros. En Italia los trenes más lentos se llaman rápidos y el Corriere della Sera (noticias de la tarde) sale por la mañana".
Creo que no nos gusta como va el mundo, ni los partidos, ni la política, ... y tantas cosas ... y sabemos que todo esto no tiene solución. Estamos con los brazos caidos, todos miramos para otro lado, ya que percibimos en algún momento de nuestras vidas que "en las novelas policiacas siempre se encuentra al culpable, en la vida real casi nunca ocurre".
Como se decía antiguamente es necesario que algo cambie para que todo quede como esta ó con el juicio a Andreotti cambio algo ó ¿cambiaron de verdad o sólo en apariencia?.
De todas formas sorprende el paso del tiempo, nuestra visión actual de Aldo Moro, de las Brigadas Rojas, de la Mafia ... Y desde luego no se pueden comparar las personalidades de la década de los años 80 con los políticos actuales, han perdido peso y sino comparen a Andreotti con Berlusconi, es un claro reflejo de como va el mundo.
domingo, 11 de enero de 2009
NIEVA
Sábado, 10 de enero de 2009.
Nieva, nieva, caen los copos, !nieva en zaragoza¡, en toda España, como antes. Es un invierno con nieve,
con mucha nieve. Las aguas están heladas, los surcos de las tierras de labranza están nevados, los pájaros no pueden contener su alegría, picoteando de aquí para allá, las chimeneas suben lentas, la calma es total.
También después de una muerte, todo se paraliza, todo es mentira, la gente nos habla detrás de un prisma opaco. El invierno es como la muerte, el disolverse en la tierra mojada, para siempre, la nieve ha sido su manto, sus flores, su mortaja, su compañera.
Y los pájaros que tanto amaba están mas alegres que nunca, los campos que paseaba beben de su sabia poco a poco, gota a gota,para poder saciar su sed.
Pero habrá una primavera nueva, las lágrimas de sus seres queridos le harán renacer, su bondad
le permitirá revivir. Será perdiz de nieve, halcón o golondrina, pero jamás será paloma.
Por mi cariño y por las contradiciones de la vida, por su fuerza y su esperanza, yo le dedico, la
"Elegia a Ramón Sijé de Miguel Hernandez" , y por coincidencia de fechas : 10 de enero de 1936.
sábado, 3 de enero de 2009
lunes, 29 de diciembre de 2008
CAPRICORNIO(28 DE DICIEMBRE DE 2008)
Por fin¡¡¡, parece que te negabas a salir, sera por el frío. Pero el día de tu llegada a este mundo hacia menos frío que los días anteriores. Estaba todo nevado, en tu pueblo la nieve cubría los montes, blanca y jugosa como algodón blanco. Había muchas nubes cerrando el cielo, tiempo suave y calmado, por abajo llovía y por arriba nevaba. Aquí se estaba bien, por la tarde los prados estaban otra vez verdes, llenos de vacas y caballos pastando. Las garzas picoteaban buscando comida por medio de los surcos y yo fracasaba en mi intento de fotografiarlas.
Los coches subían y bajaban todo el día. Las carreteras les acercan hasta el llano rápidamente y ellos van y vienen como gusanillos sinuosos por los carriles, como si fuesen otra pista más. Estos coches y su gasolina mueven el mundo.
Acabas de llegar a un mundo en "crisis" pero, ¡no te preocupes!, cada década entramos en crisis, lo que ocurre es que esta ha tardado mucho en llegar, como tú. Tardamos en comprender que todo va y viene. Que las cosas no son ni buenas ni malas, ni blancas ni negras, pero poco a poco.
A pesar de muchos, la gente es feliz y llegas a un mundo arropado y querido por todos.
Hoy sigue nevando: "año de nieves, año de bienes". Caen unos copos gordísimos, espesos que se transforman en agua, las nubes van y vienen, casi se pueden tocar con las manos, dibujan sombras y corren por las veredas desapareciendo del valle.
Bienvenido, yo te deseo toda la felicidad del mundo, toda para ti y los tuyos.
domingo, 21 de diciembre de 2008
VIAJANDO HASTA NEVADA: MY BLUEBERRY NIGHTS : NOCHES PÚRPURAS
¡Qué mezcla! : Wong Kar Wai, Norah Jones, Ry Cooder, América, Jude Law, Natali Portman...
Imprencisdible ... aunque nadie hable de ella, quizás no soy justa, me encantan todos los actores
que participan en la película ....diferente, encantadora, buena música, buena fotografía, al lado de
una historia de siempre contada con un prisma de cristal de colores. Muchas veces lo necesitamos.
... SEGUIMOS DESEANDO AMAR ...
Imprencisdible ... aunque nadie hable de ella, quizás no soy justa, me encantan todos los actores
que participan en la película ....diferente, encantadora, buena música, buena fotografía, al lado de
una historia de siempre contada con un prisma de cristal de colores. Muchas veces lo necesitamos.
... SEGUIMOS DESEANDO AMAR ...
viernes, 19 de diciembre de 2008
jueves, 11 de diciembre de 2008
VIAJES A EXPOSICIONES PROXIMAS : JUAN MUÑOZ
Las posibilidades son infinitas, el país se ha llenado de museos, centros de arte, salas de exposiciones, retrospectivas ...etc.,etc., siguen en Madrid, Degas, Rembrandt, Villalta, Mucha en Barcelona, Goya en Zaragoza desde el día 18 de diciembre, pero hoy una selección :
JUAN MUÑOZ, en el Reina Sofía desde abril hasta agosto. Será interesante comparar, sobre todo una vez vista la exposición de la Tate.
Artículo de "El mundo" : BILBAO.- Las esculturas de Juan Muñoz "respiran" en el museo Guggenheim Bilbao, en unos espacios "que él adoraba" y en los que la teatralidad de su obra encaja perfectamente, en opinión de Carmen Giménez, especialista en la obra del escultor madrileño. 
JUAN MUÑOZ, en el Reina Sofía desde abril hasta agosto. Será interesante comparar, sobre todo una vez vista la exposición de la Tate.
Artículo de "El mundo" : BILBAO.- Las esculturas de Juan Muñoz "respiran" en el museo Guggenheim Bilbao, en unos espacios "que él adoraba" y en los que la teatralidad de su obra encaja perfectamente, en opinión de Carmen Giménez, especialista en la obra del escultor madrileño.
Aunque Sheena Wagstaff, 'curator' jefe de la Tate Modern de Londres donde se ha exhibido con anterioridad, es la comisaria de la exposición, Carmen Giménez en estrecha colaboración con la escultora Cristina Iglesias, viuda de Juan Muñoz, ha sido la encargada del montaje en Bilbao.
La muestra tiene cambios significativos respecto a la organizada en Londres. Con menos dibujos, se exhiben nueve obras diferentes, algunas mostradas en muy pocas ocasiones como 'Descarrilamiento' (Derailment, 2000-2001), una de las últimas obras de Muñoz que por sus dimensiones no pudo verse en Londres.
Ya en la escalera de acceso al museo, la obra 'Trece riéndose los unos de los otros' despierta la atención de los visitantes. "Me gusta ver como la gente se fotografía en esta pieza, se suben, la tocan. Está hecha para eso, adquiere vida", ha comentado Cristina Iglesias, muy satisfecha con la exhibición del Guggenheim. "La exposición en la Tate era más académica, más de tesis. Aquí se ha trabajado con el espacio, es más teatral, que es lo que le gustaba a Juan".
En el pasillo de la segunda planta se ha situado la parte didáctica, en un espacio en que "los visitantes se pueden sentar y escuchar las obras sonoras, mientras que grandes paneles ilustran sobre las inspiraciones del escultor en artistas como Giotto, Velázquez, Degas o Pirandello.
A continuación, una de las obras más emblemáticas de Muñoz, 'Many Times' (Muchas veces), compuesta por cien esculturas de poliester y resina dispuestas en grupos, "adquiere una nueva dimensión en el Guggenheim".
Conversación con Richard Serra
La gran sala en la que ha sido instalada "permite pasear entre las figuras, que se engrandecen con el espacio" y los altos techos a través de los que penetra la luz natural "hacen que la instalación respire. La luz de día ilumina y crea sombras dando vida a las esculturas. Es un espacio fantástico para Juan", señaló Giménez, emocionada con el resultado de la exposición. "En la Tate la luz es muy mala y la disposición es de sala tras sala, mientras que aquí se van estableciendo relaciones".
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Un visitante contempla otra de las obras del madrileño. (Foto: Iñaki Andrés)
Una de estas relaciones es la que se crea entre el gran conjunto escultórico 'La materia del tiempo' de Richard Serra y la obra 'Stuttering Piece' (Pieza tartamudeante), formada por dos pequeñas esculturas sentadas que mantienen una conversación insustancial.
"Existe un cariño y un respeto entre los dos artistas y por ello he querido que dialogaran", ha comentado Giménez, especialista en la obra de Serra. "Él fue quien me presentó a Juan Muñoz. Entonces decía que no quería ser artista, que quería ser 'curator'. Juan quería hacer muchas cosas, pero por encima de todo era un artista, un generador de ideas constante".
La distribución de los espacios del Guggenheim "permite hacer un montaje muy teatral, como sus piezas", comentó Giménez que en uno de estos espacios ha reunido por primera vez los conjuntos 'Escena de conversación' de 1994 y de 1996.
Tanto Carmen Giménez como Cristina Iglesias y Juan Ignacio Vidarte, director del museo, han lamentado que no haya sido posible traer la instalación 'Double bind' creada por Juan Muñoz para la Sala de Turbinas de la Tate y que, debido a sus grandes dimensiones, no ha vuelto a poder exhibirse.
"Se han estudiado dos espacios muy bellos. El museo tiene voluntad de montarla. Aunque no coincida con la exposición, se mantendría al menos un año", comentó Cristina Iglesias, quien no descarta que la escultura se muestre en Madrid, donde viajará la retrospectiva, con cambios muy significativos, al Museo Reina Sofía.
lunes, 8 de diciembre de 2008
miércoles, 3 de diciembre de 2008
BARCELO/CÚPULA/ANTONIO MUÑOZ MOLINA
Bajo la cúpula - Antonio Muñoz Molina - El País
Barcelo bajo la cúpula y con 6 millones de € más ©El País
Yo no sé si me gusta o no me gusta la célebre cúpula de Miquel Barceló. Carezco de ese agudo sentido estético, cercano a lo adivinatorio, que permite a tantos de mis contemporáneos juzgar una obra de arte en virtud de algunas fotos y del color político del gobierno que la ha encargado. Incluso me pregunto si entre las tareas de un gobierno, en los tiempos que corren, se cuenta la de elegir a discreción a un cierto pintor y no a otro, y gastarse en el encargo al menos ocho millones de euros, sin un debate público previo. Hablar de dinero es mezquino cuando se trata de un artista de esta categoría, y de esta cotización internacional, nos dicen. Nos lo dicen personas que sí hablarían de dinero si el gobierno que ha encargado la obra fuera el del partido al que ellas no votan. En España, la indignación moral es tan previsible como la emoción estética. Sabemos quién se va a rasgar las vestiduras porque medio millón de euros salgan de los fondos de ayuda al desarrollo con la misma certeza con la que sabemos quién va a emocionarse con la cúpula de Miquel Barceló. La cúpula en sí, o la ayuda al desarrollo, no le importa a nadie: si esa misma cúpula la hubiera encargado el gobierno del otro partido, los mismos que ahora se quedan embobados ante ella sin haberla visto más que en fotos la encontrarían cuando menos discutible, y las denuncias valerosas contra el despilfarro de un dinero que debería haberse empleado en alimentar a los pobres del mundo se multiplicarían en columnas justicieras.
Yo no sé si el trabajo de Barceló vale los seis millones de euros que según dicen ha cobrado por el encargo. Todo necio, ya sabemos, confunde valor y precio, y los precios del arte están tan sometidos a la especulación como la vivienda. En las subastas de este otoño en Nueva York, cuadros que el año pasado se habrían vendido por decenas de millones de dólares no han encontrado comprador o han caído a la mitad de su precio. Aquí no reparamos en gastos. Ni de dinero ni de palabras. Por lo pronto, y en el espacio de unos días, la cúpula de Barceló ya se ha convertido en la Capilla Sixtina del siglo XXI, y está a la altura de la capilla de Mark Rothko en Houston o de las cuevas de Altamira, según las fuentes. En mayo del año pasado, en Sotheby's de Nueva York, se pagaron obscenamente 72,8 millones de dólares por un cuadro de Rothko en cuyo título había ya una delicadeza prometedora de haiku: White Center (Yellow, Pink, and Lavender on Rose). Si un Rothko, con sus rosas y lavandas desleídos, costaba esa cantidad demencial hace año y medio, ¿quién va a quejarse del precio de un Barceló de más de mil metros cuadrados en el que se han empleado treinta y cinco mil kilos de pintura?
Siendo dinero público, y dinero público de un país de tan endeble presencia internacional como España, las comparaciones resultan algo menos estratosféricas. Ocho millones de euros es más de la mitad del presupuesto que tendrá el año que viene la Seacex, que es la agencia estatal dedicada a organizar exposiciones de arte español en el extranjero; ésa es la misma cantidad que dispondrán en 2009 para sus programas culturales la totalidad de los 72 centros del Instituto Cervantes; y no quiero pensar en las asignaciones literalmente miserables que manejan las embajadas y consulados españoles en las grandes capitales del mundo, y que para lo más que dan es para alquilar una pequeña sala de conciertos o para contribuir con unos cientos de dólares al programa de una exposición. Algunas veces se oye la opinión triunfalista de que la presencia cultural francesa en el mundo está en declive, porque el francés tiene mucho menos empuje que el español, como si el azar demográfico del número de hablantes de nuestro idioma tuviera algo que ver con la visibilidad internacional de España. Pero basta comparar, en cualquier capital de Europa o de América, el porte de los centros educativos y culturales franceses con el de los españoles para despertar a la realidad y hacerse una idea inmediata de la triste posición que ocupamos, acerca de la cual se aprende también algo si se compara el número de diplomáticos españoles con el que disponen no ya Francia o Alemania o el Reino Unido, sino países como Holanda o Dinamarca.
Por encima de sus triviales diferencias, tan entretenidas al parecer para los periodistas, la casta política española tiene un gusto común por el mangoneo clientelar y las exhibiciones suntuarias. Durante los años prósperos han despilfarrado la riqueza que hubiera debido invertirse en dar un fundamento sólido de instrucción pública, justicia social y dinamismo económico al país, pero ahora que vienen tiempos de quebranto, ellos siguen tirando el dinero en sus caprichos megalómanos y en sus redes corruptas de control e influencia como si la crisis no existiera y como si la ciudadanía no fuera a pedirles cuentas nunca. Pero la ciudadanía parece haberse contagiado de la intransigencia de unos y otros, o de los Hunos y los Otros, como decía el pobre Unamuno al final de su vida, y el espacio para la libertad de conciencia y para el soberano criterio personal se va volviendo cada vez más estrecho: si yo pongo en duda la conveniencia de gastar ocho millones de euros en una cúpula para que se hagan fotos debajo de ella un cierto número de autoridades, me habré vuelto instantáneamente de derechas; y si en lugar de eso me declaro en éxtasis ante las estalactitas de colores chillones de Miquel Barceló, eso significará, ante los Hunos y los Otros, que estoy a favor de la alianza de civilizaciones, de la igualdad de género, de las energías renovables, del cine español, que me indignan los chanchullos inmobiliarios de los ayuntamientos del PP, pero no llego a enterarme de los que cometen los ayuntamientos socialistas...
No me da la gana. No quiero que mi pensamiento me lo estén dictando a cada paso los vigilantes voluntarios de un sectarismo político del que ya no están a salvo ni las opciones más personales de la vida. No acepto el dictamen casi amenazante del titular de este mismo periódico: "El arte de Barceló acalla las críticas". El arte no está para acallar las críticas sino para alentarlas. Llevo muchos años observando con mucha atención el trabajo de Miquel Barceló, y muchas veces me ha entusiasmado, y otras, sobre todo en los últimos tiempos, me ha parecido mucho más inventivo en las acuarelas y en los dibujos que en las obras de gran formato, en las que he intuido un cierto agotamiento de la inspiración, atemperado por el oficio. El mismo derecho tengo a que me guste esa cúpula como a que no me guste, y también a poner por encima del juicio estético una convicción política. Seguro que había cosas más urgentes en las que gastar todo ese dinero. En cuanto a las comparaciones con la Capilla Sixtina, quizás sería prudente esperar uno o dos siglos.
Barcelo bajo la cúpula y con 6 millones de € más ©El País
Yo no sé si me gusta o no me gusta la célebre cúpula de Miquel Barceló. Carezco de ese agudo sentido estético, cercano a lo adivinatorio, que permite a tantos de mis contemporáneos juzgar una obra de arte en virtud de algunas fotos y del color político del gobierno que la ha encargado. Incluso me pregunto si entre las tareas de un gobierno, en los tiempos que corren, se cuenta la de elegir a discreción a un cierto pintor y no a otro, y gastarse en el encargo al menos ocho millones de euros, sin un debate público previo. Hablar de dinero es mezquino cuando se trata de un artista de esta categoría, y de esta cotización internacional, nos dicen. Nos lo dicen personas que sí hablarían de dinero si el gobierno que ha encargado la obra fuera el del partido al que ellas no votan. En España, la indignación moral es tan previsible como la emoción estética. Sabemos quién se va a rasgar las vestiduras porque medio millón de euros salgan de los fondos de ayuda al desarrollo con la misma certeza con la que sabemos quién va a emocionarse con la cúpula de Miquel Barceló. La cúpula en sí, o la ayuda al desarrollo, no le importa a nadie: si esa misma cúpula la hubiera encargado el gobierno del otro partido, los mismos que ahora se quedan embobados ante ella sin haberla visto más que en fotos la encontrarían cuando menos discutible, y las denuncias valerosas contra el despilfarro de un dinero que debería haberse empleado en alimentar a los pobres del mundo se multiplicarían en columnas justicieras.
Yo no sé si el trabajo de Barceló vale los seis millones de euros que según dicen ha cobrado por el encargo. Todo necio, ya sabemos, confunde valor y precio, y los precios del arte están tan sometidos a la especulación como la vivienda. En las subastas de este otoño en Nueva York, cuadros que el año pasado se habrían vendido por decenas de millones de dólares no han encontrado comprador o han caído a la mitad de su precio. Aquí no reparamos en gastos. Ni de dinero ni de palabras. Por lo pronto, y en el espacio de unos días, la cúpula de Barceló ya se ha convertido en la Capilla Sixtina del siglo XXI, y está a la altura de la capilla de Mark Rothko en Houston o de las cuevas de Altamira, según las fuentes. En mayo del año pasado, en Sotheby's de Nueva York, se pagaron obscenamente 72,8 millones de dólares por un cuadro de Rothko en cuyo título había ya una delicadeza prometedora de haiku: White Center (Yellow, Pink, and Lavender on Rose). Si un Rothko, con sus rosas y lavandas desleídos, costaba esa cantidad demencial hace año y medio, ¿quién va a quejarse del precio de un Barceló de más de mil metros cuadrados en el que se han empleado treinta y cinco mil kilos de pintura?
Siendo dinero público, y dinero público de un país de tan endeble presencia internacional como España, las comparaciones resultan algo menos estratosféricas. Ocho millones de euros es más de la mitad del presupuesto que tendrá el año que viene la Seacex, que es la agencia estatal dedicada a organizar exposiciones de arte español en el extranjero; ésa es la misma cantidad que dispondrán en 2009 para sus programas culturales la totalidad de los 72 centros del Instituto Cervantes; y no quiero pensar en las asignaciones literalmente miserables que manejan las embajadas y consulados españoles en las grandes capitales del mundo, y que para lo más que dan es para alquilar una pequeña sala de conciertos o para contribuir con unos cientos de dólares al programa de una exposición. Algunas veces se oye la opinión triunfalista de que la presencia cultural francesa en el mundo está en declive, porque el francés tiene mucho menos empuje que el español, como si el azar demográfico del número de hablantes de nuestro idioma tuviera algo que ver con la visibilidad internacional de España. Pero basta comparar, en cualquier capital de Europa o de América, el porte de los centros educativos y culturales franceses con el de los españoles para despertar a la realidad y hacerse una idea inmediata de la triste posición que ocupamos, acerca de la cual se aprende también algo si se compara el número de diplomáticos españoles con el que disponen no ya Francia o Alemania o el Reino Unido, sino países como Holanda o Dinamarca.
Por encima de sus triviales diferencias, tan entretenidas al parecer para los periodistas, la casta política española tiene un gusto común por el mangoneo clientelar y las exhibiciones suntuarias. Durante los años prósperos han despilfarrado la riqueza que hubiera debido invertirse en dar un fundamento sólido de instrucción pública, justicia social y dinamismo económico al país, pero ahora que vienen tiempos de quebranto, ellos siguen tirando el dinero en sus caprichos megalómanos y en sus redes corruptas de control e influencia como si la crisis no existiera y como si la ciudadanía no fuera a pedirles cuentas nunca. Pero la ciudadanía parece haberse contagiado de la intransigencia de unos y otros, o de los Hunos y los Otros, como decía el pobre Unamuno al final de su vida, y el espacio para la libertad de conciencia y para el soberano criterio personal se va volviendo cada vez más estrecho: si yo pongo en duda la conveniencia de gastar ocho millones de euros en una cúpula para que se hagan fotos debajo de ella un cierto número de autoridades, me habré vuelto instantáneamente de derechas; y si en lugar de eso me declaro en éxtasis ante las estalactitas de colores chillones de Miquel Barceló, eso significará, ante los Hunos y los Otros, que estoy a favor de la alianza de civilizaciones, de la igualdad de género, de las energías renovables, del cine español, que me indignan los chanchullos inmobiliarios de los ayuntamientos del PP, pero no llego a enterarme de los que cometen los ayuntamientos socialistas...
No me da la gana. No quiero que mi pensamiento me lo estén dictando a cada paso los vigilantes voluntarios de un sectarismo político del que ya no están a salvo ni las opciones más personales de la vida. No acepto el dictamen casi amenazante del titular de este mismo periódico: "El arte de Barceló acalla las críticas". El arte no está para acallar las críticas sino para alentarlas. Llevo muchos años observando con mucha atención el trabajo de Miquel Barceló, y muchas veces me ha entusiasmado, y otras, sobre todo en los últimos tiempos, me ha parecido mucho más inventivo en las acuarelas y en los dibujos que en las obras de gran formato, en las que he intuido un cierto agotamiento de la inspiración, atemperado por el oficio. El mismo derecho tengo a que me guste esa cúpula como a que no me guste, y también a poner por encima del juicio estético una convicción política. Seguro que había cosas más urgentes en las que gastar todo ese dinero. En cuanto a las comparaciones con la Capilla Sixtina, quizás sería prudente esperar uno o dos siglos.
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